从久石让，坂本龙一，梶浦由纪 到 lacrimosa,pink floyd--漫谈音乐的诗性与灵魂

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      平躺着，耳旁流过了一段旋律，我如果静下来，它便像一种流动的能量，瞬间贯通全身。那感觉仿若灵魂飘升，令人陶醉。如是，接近音乐便成为了我写这篇短文的理由。在此我想试图谈谈音乐的灵魂，谈谈那些大师。
      如果3年前别人问我最喜欢哪些音乐人？我会说詹姆斯霍纳或理查德。但是现在，我可能会毫不犹豫地吐出那些字眼：久石让，坂本龙一，还有华丽丽的梶浦由纪。为什么？恐怕是詹姆斯霍纳的太雄壮，太宏伟，而理查德虽轻灵却令人感觉遥远。而如果把刚才那串名字化成音符来讲述我喜欢他们的理由的话，我想是感动二字在浅浅地震颤灵魂。久石让的音乐其实是受中西方双重影响的，正如他的名字（原名藤泽守，后受黑人音乐人quincy jones影响后改名）一样的暗示。作为学院派音乐人，他一方面受到日本传统音乐大师武满彻的影响，另一方面受欧美系philps glass等人的观念转变。然后自成体系地做自己的独立音乐。其实，我一直在想，音乐风格的混合性，似乎并不会使听者形成理解偏颇，包括坂本龙一，梶浦由纪，他们音乐的形式依然是践行混合式的创作理念。电子合成，古典，交响乐，弦乐的交杂。梶浦甚至会融入巴洛克风格的华丽设定，另外融入唱诗班一样的宗教吟唱。由此，可以说音乐诗性的形成模式其实是多样化的。比如，久石让在《天空之城》中的配乐其中突出的吟唱片段，那些宏大的，来自灵魂的能量群落，有一部分其实是从爱尔兰民谣中获得的灵感。而坂本龙一既可以再贝托鲁奇《末代皇帝》里谱出古典气息浓厚饱含紫禁城没落的史诗交响，同样也可以再大岛渚《战俘》里创作出宿命轮回的钢琴名曲《merry christmas mr.lamrence》，作为动漫音乐界四大才女之一（另外三位是菅野洋子、新居昭乃、冈崎律子）的梶浦由纪大人更不必说，混合性也是相当强，一方面是巴洛克的华美，一方面又成了带宗教意味的空灵。《高达SEED》和《空之境界》的配乐就是完美的比对。
      艺术具有内在联系，我一直赞同这个观点。音乐，影像，文学无非都是在塑造灵魂。音乐无善恶，皆是情绪的渲染。诗性的画面配以诗性的音乐，就会断续地进行一种非线性的拼接，从影像，语言，音乐中获得极致美感。我想举几个例子来阐释这个问题。拿安东尼奥尼《云上的日子》来讲，四段式的故事沉浸在一种安静的旋律中，给予人的是“如云”般若即若离的情绪，而冢本晋也《铁男》里的地下金属狂躁亦是对主题灵魂的嘶吼。实际上我还想借灵魂音乐这一方向，去谈谈lacrimosa（以泪洗面）这个乐队，作为德国哥特至尊的lacrimosa乐队，在诗性与灵魂的塑造方面一直做得非常出色。众所周知，哥特摇滚渲染的是不健康的，负面的情绪。颓丧，地下，暗黑系，邪典是它的名词，即便如此，它却拥有一系列的邪典体系，主基调的小丑与女王的宿命悲歌如诗般流淌在它的音乐中，作为它的即成灵魂完美结合在一起，并且发散情绪逻辑，令人产生共鸣。音乐的灵魂正如久石让所言在于感性在于情绪的倾注。就好像音律的节奏其实潜在，里暗合着很多情绪符号一样。如同轻快，缓慢或复合式的节奏，它们是各有不同的情绪对应的。
      当情绪与音乐达到了极致的融合，音乐就会成为一股流动的能量，向每个聆听者诉说它的故事，相信吉他和钢琴可以写诗吗？记得pink floyd乐队1994年专辑里那首令人感动的marooned（放逐）吗？大卫吉尔莫和理查德怀特为了纪念它们死去的前主唱而写的这首曲子，在凝结着对岁月飞逝怀念的主基调里，已成老者的大卫和理查德眼中含泪地用吉他和钢琴弹奏着这首六弦诗时，那极富感染力的巨大音乐张力便引导我们的灵魂同他们一起震颤。这是一个乐队对它们过去的祭奠，同样也是一首属于他们的岁月之诗。我的一位网友和我谈起pink floyd在现场演唱
marooned的情形，他说他听到这首曲子时每每受到感染，甚至流过泪，久久不能释怀。在此，我不想延伸得太多，这或许正是灵魂音乐的魅力。
      可以说，每个人都有一类属于他的音乐，而那一类音乐与其气质契合，并且可以产生共鸣，引起波动，就好像有的人会在喜多郎的音乐中听出乡愁，有的人会从buckethead的电子吉他乐中听到自己的影子一样。每一种音乐似乎都有每一种不同的能量群落，去寻到它们，去接受共鸣和震颤，这一切，仿佛是灵魂的另一脉出路。
      而我就想那么平躺着，任由耳旁飘飞轻舞。